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党震《创作方法论》

视频信息

名称:党震《创作方法论》党震:西方绘画史线索——中世纪与文艺复兴 (上)
 

课程名称:创作方法论

第20节:西方绘画史线索——中世纪与文艺复兴 (上)

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罗马 圣玛利亚老教堂迪奥多塔小教堂装饰画

这是到了中世纪了,对称当中的变化。构成关系之外,画面当中的这种色调,明度比较低的色调,选择的这种红色,黑色,两个基本颜色,有一点蓝颜色,一点黄颜色,红黄蓝,这是所谓的原色,然后黑色,整个画面就变得很凝重、很厚重,这样的一个味道,整个画面的这种凝重、浑厚的味道,跟中国古代的绘画也有很多相似的地方,马王堆出土的汉墓,黑色、红色为主的,早期绘画当中一种凝重的厚重的明度比较低的意味都出现了。

造型简约,整个外形的长直线、长弧线,造型比较简约,这也是跟原始时期的美术的传承有关系,但是相比较希腊美术时期的那种优雅,这个时期就有变化,所以说文明的发展不是一直往前的,有时候会突然间又往后走一走,文明到了一个很高级的、很优雅的、很理性、很协调的过程,突然又变得很稚拙、很简约,有种蛮荒的气息,又有一种往回追的方向。

乔托,马萨乔过程是这样来的,还有这种符号,字母的符号运用这种变化,这跟当时我开始讲那个在埃及时期有的时候左边坐着一个人,右边散的那个图是一样的,都是用这种方式,一侧是完整的,一侧是散的,也有这种对角线构图的应用,对角线构图。

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The Book of Kells

这个时期的色彩也很有意思,有没有让我们想到敦煌的色彩,敦煌的色彩在北魏时期的造像,一直到隋代的壁画也有这种感觉,冷色调,蓝紫绿这种颜色比较多,然后黑白,在这个色调里面,当然这里面加了金色,这种图案化,这几个颜色的应用,整个色彩的感觉还是很严,这样的色彩体系色调的感觉,有没有想到像维亚尔的画,维也纳分离派那一类的画家,原色的应用,红黄蓝原色的应用还是很明显,黑色减少了,画面又变得鲜艳一些。

这个构成中的横、直、斜,还有圆形,还有点线面的关系也都很有意思。在后来的西方绘画中,有一类型绘画就是以建筑或者静物为主的,建筑为主的绘画也有,直线用的比较多,很理性。在早期的美术作品当中也有这样的端倪,满构图的应用,人物比较多,充斥着画面,很饱满,四周都撑起来。这个也很有意思,相似形变化。其实就是这个构图都能把现代的一些东西用上,我们在现代的创作中可以借鉴这样的方式。有好多这样的并排地走过来的,这样的图形重复出现。

他们总结出这个规律了,三王来拜这种宗教故事,还有这样的符号化的手势,想一想我们现在段建伟老师的画,是不是也会偶尔会出现一个含有宗教意味的手势,这个图形,我们想看这样的手,中国的佛教造像里面有没有类似的手势,手势都很长,很软,伸出来这样的方式。宗教这个不一样,但是在刻画的时候很多造型意味就很接近。

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东正教堂浮雕

这是一个在俄罗斯那边所谓东正教教堂里边的一个浮雕,这个造型你说准不准呢?或者说结构是不是也感觉有过解剖上的意义。我们现在提一个问题。解剖这门学问或者叫艺用解剖到底会对我们的创作有多少作用,或者我们怎么去应用艺术解剖,怎么应用解剖,本科时候是不是还有这种课,我记得我个人在上大学的时候,解剖课就没好好上过,总觉得没什么意思,我们当时想着要表现,要彰显个性,不要老拿着透视和解剖压制我们的创造力,现在挺后悔。

因为那个时期如果你那个东西好好学,把它拿过来,先成为自己身体知识系统的一部分,然后再消化它、变化它,如果那个东西你本身不了解或者是了解的特别少,用的时候可能就产生一些很浅薄很表面的理解。但是反过来讲,如果你把解剖学的太好,它的负作用也会出现,就是你总会画的比例结构很准,肌肉骨骼关系很对,这样在审美趣味上就容易停止在那个层面,你会显示在那个层面的能力,这是问题。所以解剖课上的好,当时我们美院有一个很好的老先生姓陈,陈老师一辈子上解剖和透视,他可以随时从哪个地方从手指头可以一直推出一个人的动作,所有的骨骼肌肉全部给你讲一遍,他理解的就是在他的头脑当中,他把肌肉、骨骼的这种解剖关系,全都像庖丁解牛一样,可是他的创作你会觉得很乏味,他也画画,也画创作,画油画,但是出来的东西不感人,他没有显示解剖多么准,但是这个人体却充满一种力量,这个艺术的美感感动人的那个点,有的时候在这儿,有的时候不在这儿。

所以你所有学过的知识都未必能使你的作品真正产生力量,不是说你学了这个,把这个用好就会有力量,这个力量到底来自于什么,我觉得有一点很值得去考虑,就是这张图片而言,这件作品而言,人与人的关系很有意思,宗教上的逻辑我们先不讲,死亡地躺在这儿,一个苦难的形象,然后一个人拥抱他,这个手能抱得住他吗?这么孱弱的一个手,圣母的手能不能抓得住他,未必?与其说想要拯救他,不如说在怜悯他,与其说想把他给抱起来或者抱不住,不如说是去抚慰他,这个手就变成一种女性的善的柔软的力量,去平衡这个痛苦的力量,它是一种平衡,所以这个时候有一种女性与男性之间很温暖的一种亲情在里面,或者说叫爱的东西在里面,这个时候他没有把忧伤直接表达出来,感觉圣母的脸很平静,也没有觉得这里多么挣扎,痛苦的感觉并没有感觉很恶劣,很挣扎,你就觉得惨不忍睹,不是那样的,他暴露伤口有血出现,当然这个很直接、很直观、很难受,可是如果去掉它呢,你会觉得这是一个睡着的人,静静地躺在那儿,这个人也静静的依偎着他,这样一种关系让你觉得有一种很宁静的肃穆感,所以这个味道我觉得感人。

另外,我觉得还有很多造型趣味值得去体会,这种稚拙的造型中蕴含着一种宁静的力量,这种长长的曲线柔美的力量,密集的短线,衣纹处理方法明显不一样,里面有一些造型趣味值得推敲,还有像这样的一些结构型的线,这样的比较内在的曲线,里面有一种方圆的变化,感觉很饱满、很有力量,方的圆的这样的转折线,四根线的应用也很好看。

有一个学生在给我发微信的时候问过,所以上线描课,老师让我们衣纹画得多一些,勾线是不是说学中国画的人擅长画速写,擅长勾衣纹,白描上要画出好多衣褶,画的多一点好,很简单,多一点,你在疏密对比,方圆变化,线条的转折穿插这些方面可以做文章,少了这个东西不容易出效果,多一点可以遮丑,也可以更多地玩味的疏密对比,各种形式感。

可是你玩味的多就有意思吗?不一定,多了那种炫技,很可能炫的很表面,所以这个时候它多与少的控制很有意思,所以多不见得是对的,多和少的控制很重要,控制多少之间的关系,使它达到一种至上之美,达到一种度的高级,这是美的,这是好的,没有说多就行,少就行,我的论点不是说多对不对,多可能是对的,少也可能是对的,但是最终的标准是要达到那个至上之度,好的极致的度在哪里,如果你做的东西很低级很俗,或者审美的品位很低,多和少都不对。这明显的是多,繁杂。

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浮雕

原色的应用,红黄蓝,图案化的结合,顶上是图案,图案和具象造型很硬的形、很软的形,图案化和具体内容怎么结合,图案与人的关系,做的很好,外轮廓的基本几何形。变化,很饱满的力量,顶上是密集,外形简约,里面复杂,外形一定要简约,里面可以无穷无尽的复杂,外形的简约,形很美,形如果不好看,头发画得再复杂也没有用,所以说画好头发不要去考虑里面的穿插勾线,勾得多么漂亮没用,外形很重要。

这外形怎么就好看了呢?我们拿这个形来说,后面的形怎么样?圆容饱满,但是这些怎么样,很方很硬,前边还有很紧张的角,小一点的梯形,不等边梯形,三角形,有方向感,三角形的上升感和前进感,有一种势的动,从势,有运动方向的形到有势的形,势是来自于什么呢?力量的方向产生势,或者我们叫动态、动势,没有方向就没有势,然后有对比,才好看。

底下这种方线转折多,上面圆线多有饱满,尖锐放在一起,所以它好看,这个也不错,这都是属于我觉得很经典的造型。手长,手和身体比例上有一些调整,这个形刚才有同学还在说,是不是结构也不舒服。什么是舒服,这值得说了,后期是有的画家故意画不舒服,到了表现主义,就故意破坏这种协调,画得不好看都能成为好看,这里面这个东西就很值得推敲了。

还有一个画家后面会讲到,就是卢梭,稚拙画派的创始人,这个创始人的概念也不对,卢梭没上过学,写实素描画画部分好,画画部分准,画不了那么准确,他画出来笨笨的,拙拙的,我们还以此为美,因为稚拙的美感是存在的,有了这种美感,画的稚拙就代表了一种美,就像画的很协调是一种美,画的很优雅是一种美,所以美感的多样性决定了艺术语言的多样性,反过来说,艺术语言的多样性产生了美感、审美体验的多样性,这个前提很重要。

大家对审美一定要有一个多样性的认识,如果你连这个都不知道,你就不可能判断自己作品的美感在哪里,那个度你找不到,或者说你只有一个度,你的路子比较窄,我觉得学习绘画或者叫学习艺术、学习美术,即使将来成不了大师,成不了画家,不能靠卖作品养活自己以及家人,也不能靠成就自我来完善人生价值,至少你有一点是与不学美术的人有区别,就是你的审美感知会增加,你的审美幸福感会多,都是活几十年,每天24小时,这样过一辈子,学过美术的人对美的认知宽泛了,认知度要高一些,他的审美体验层面幸福感增加,幸福指数就会多,这就是学习美术学习绘画的一个最基本的值得我们去学习的点。

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浮雕

这个很有意思,这种美的味道很奇怪,拿捏好了就很有意思,还有这样的,当时我在上本科的时候看这样的东西,我确实很感动,我觉得它内在的有一种情感力量,只是这种表达深沉的表达一种略微带点儿痛苦的、忧郁的味道的美感,后来被庸俗化被表面化了,有没有见过有些人画这种类型的作品,画挣扎感觉的,痛苦与挣扎,还有一种画什么呢?画朴素与厚重。

我举两个例子,南京大屠杀这样的绘画在中国有吧,早一点的是周思聪、卢沉画的《矿工图》,后来又有浙美几个画家画的《南京大屠杀》,其实这个作品早期是谁来带动的这种潮流呢?日本有两个画家画过《原爆图》,再往前推也有,痛苦与挣扎的这种画面,人物众多,以死亡的,以这种重大历史灾难作为画面主角的这种题材有没有,西方有没有?《格尔尼卡》也算,再往前什么《西亚岛的屠杀》,德拉克洛瓦画的,再往前还有吗?往后还有讲到博斯画的《地狱》,灾难,地狱这种杀戮,有这样的绘画,包括再往前继续找,可能找到埃及时期的宗教绘画当中也有,或者中国当中民间的带有巫术形象的民间绘画也有,地狱什么什么变,宗教绘画,也有一些很残忍的、痛苦的、挣扎的画面氛围出现,后来我们从后的战争题材、历史画题材也有出现《原爆图》等等的。

可是这种类型的绘画,就因为它残忍了,因为它痛苦了,就变得厚重而有力量了吗?一个问号,是不是画的很黑、很痛苦,就会很有力量呢,也未必,画农民就画得很黑,画得很土,就行吗?画得很苦涩就表达你对农民的感受了吗?有一个是反过来画的,画农民题材,其实农民题材也是很巧妙的一种变化,田黎明老师画村姑,叫《阳光、空气和水》,这就有区别了,市场上面山东青州那边画廊里卖画,就是田黎明的“村姑”,就这么说,高士是一个题材,村姑是一个题材,都市少女是一个题材,或者是叫都市题材,三个题材。

那么村姑的题材是什么?就是农村妇女,农村的年轻女孩,这个题材应该说是农民绘画吗?不是,肖像绘画吗?不是比着真人画的,那叫什么呢?仕女画,也可以这么说吧,中国古代绘画有一种类型叫仕女画。

以女性为主的题材,内容上要以女性为主,女性身份是年轻女性,不能画老太太,不能画大妈、阿姨,而且是美的青年女性,好看的,画丑的肯定不行,西施浣纱可以,画东施效颦就不对,或者少。三个主要的元素,女性,年轻,美的,这三条得有,还有一条,仕女画,还得有文化,知识女性,你不能画重妓的女性,古代的仕女是干嘛的?仕女画里面拿着扇子的,在一个小花园里,在一个阁楼里,看着一个芭蕉树默默流泪的,叫闺怨,是不是这个题材,或者是出行、游玩,《虢国夫人游春图》这一类的,玩的,吟诗作画的,还有一些是陪衬,像弹奏乐器的或者是能歌善舞的,等等的,都是相对唯美的一个情结,一个情境,是理想主义的情境,一定要有文化的素质在里面。

那么田老师画的村姑呢,你们了解他的画吧,有点儿印象吧,田黎明可是当代的大师,这个村姑一般挎着个小篮子,拿着个小莲蓬,半坐在水里或者站在树荫下,有阳光照着,她有文化吗?这个形象,不知道,梳俩大辫子,高中毕业还是大学本科?估计玄,大学本科要是拿着个小篮子,拿着个小莲蓬站在水里,她去体验生活了,或者去春游到哪个摘草莓的地方玩儿了,谁大学本科还回农村去捞莲蓬去,学历越高越不会过农村生活了,有听说北大的去开发农副产品致富的女状元,也有,但是少,大部分人会留在城市过都市人的生活,当白领是不是,或者当艺术家,为什么田老师要画这么一个形象,农村女孩,不确定她的知识身份,但感觉他画面的女孩一定是有文化的,因为她的造型说明了问题,椭圆的小脸,非常柔美的小眼睛,优雅的动态,还不俗,不妖娆,很朴素,干干净净,出污泥而不染。

因为田老师信奉的是儒家哲学的高境界,陶渊明的境界,他的画面表达的是禅与道,是游于物当中,阳光照着,水流动着,他写的文章也是,你读读他写的文章,宁静淡薄,非常美,干干净净的美,像高山上的白云,像品一杯清茶那种味道,都好在这里,所以他的形象画村姑也是美的,也是有知识感觉的,因为他是有文化的,他通过这样的造型,这样的色彩,这样的色调,这样的空间构成等等的,表达了一个文化空间,在这个空间里你看不到脏的东西,一定体验到的是阳春白雪,最好的东西,而且又是最朴素的东西,是还原了自然的这种本质中的至善与至美。

田老师画的农村题材是这样的,没有画一个红扑扑的脸蛋、脏兮兮的手,健壮的劳动动作。不是农村妇女下地干活的那个动作,所以在田黎明老师那儿,他是这么转化的,他的村姑应该说是属于仕女画的范畴,而不属于农村题材的画或者少数民族的画,虽然田老师也画过雪山的藏族女孩,但他就没有在脸上衣纹上做文章,他没有突出少数民族的脸上那个高原红,也没有突出身上服饰璀璨的珠宝和花纹。他把它升华成一块美玉,而且这块美玉跟画村姑是一样的,他是形而上的高度来看问题。

今天有同学在聊少数民族题材的事,我说谁画得好,少数民族,少数民族题材的高更同志画的特别好,他《塔希提岛》那个土著人不是少数民族嘛,但是他没有突出少数民族的纹饰衣着,他画的像古代的壁画和雕塑那样,回归了一种原始的朴素的美的高度,从人性的高度入手,他才达到了艺术上的高,而不是简单的一个皮肤黝黑,少数民族特点。

问题就放在这儿了,总之不管什么题材都有可能走的低,都有可能走的高,也不是说画苦难就一定会画得很深沉。这样的手,我上本科的时候,我还把这个手复印下来,贴在我那个画画的小桌子墙上,拿一个小图钉扎在上面,天天看,我觉得这样的手特别好看,宁静的朴素的气息,也很写实,感觉它很写意,但是味道都有了。

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PPT图片

这个壁画的局部。太讲究了,很下功夫,一层一层地染,一个形一个形地抠,不厌其烦,这跟宋画的品位有点儿接近。宋画画的花鸟画那个味道。所以信仰基督教和信仰儒家哲学,宋代还是在什么东正教都不一样,内在的对美的自然的理解达到一定高度了就很像。

大师级的绘画又出现了,马萨乔,厚重的作品,这像不像荆关董巨的山水画,像不像《簪花侍女图》,圆容、饱满、深沉、浑厚这种味道的东西。这个跨越的时间可够大的了,这个肯定是后来的,技术上应该说语言更丰富了,但是你看力量怎么样,这个审美品位怎么样,我觉得后面还是相对走向了民间,清新艳丽的,感觉这俩是小清新,这个就感觉怎么样?是老头老太太,厚重,沧桑感,这种情感的历练,体形也很健硕,但是不沉重,很轻松感觉走出来。因为这个时候的市场要求他这样了,你画得这么难看谁要啊,必须得画成青春的,画成这样的,所以这个时期他是为更高的一种思想服务的,受众改变了。

乌切洛的壁画,战争题材的,特别好。这都是大师,造型太好了,构成太好了。

弗朗切斯卡,这个原作我去意大利的时候看过,确实特别好。看不见。这个跟中国的工笔画,好像跟明代的肖像画很好,明代的肖像画特别值得看,染法,形象的肃穆感,弗朗切斯卡,也叫弗朗西斯卡。

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《持石榴圣母子》波提切利

波提切利,我个人喜欢波提切利,但是更喜欢前面的弗朗西斯卡,弗朗西斯卡这个造型我觉得特别像何家英画的东西,漂亮,太唯美了,这个漂亮我觉得造型上那个味道还是过分好看,我个人可能喜欢点稍拙点儿的。达芬奇的,更拙一点。

古代的技法我也说不好,因为我不是学具象油画、古典油画出身的,说不太好,在座的可能有些研究生是咱们刘洪喜老师的学生,或者是研究古典技法,有素描做底子,薄颜色层层罩染,像工笔那样画出来的,据说是这样的,要在底子上下很大的功夫,但是我觉得可能看原作的时候,或者是一些很好的画册放的很大的,可以看到用笔的那个速度很轻松,而且层次一层两层的痕迹也没有涂的特别匀,不是在技法上达到一种完全打磨得那么光泽,有的时候还是挺随意的方式在画,有运动感,有笔触感,有写的感觉,这个味道怎么能拿得住很重要。

后来的画家画超级写实,我个人的理解,超级写实一定跟语言是不一样的,超级写实的语言讲究打磨的度和方法,和这个时期的具象绘画的高度完全不同,相对而言,后来的超级写实的画法又在程序上,在语言的精致度上,比这个要精致得多,达芬奇那个时代相对还是比较简单的,我的认为判断。因为局部放大的时候,他的笔触感还是很强,手绘的感觉还是很强的,但后来就把这个东西都磨掉了,全部变成一种追求细腻的质感,达到那种比照相机,比物理还要真实的境地。

我想说的是,一个人的力量,就是这个时期后来为什么不能出这样的大师,是因为人改变了,我们太浮躁了。

上传日期:2019年03月01日

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