首页新闻观点拍卖收藏画廊摄影当代艺术博客监测中心图书网华东站艺术中国
艺搜专题视频艺术家网展览书画收藏论坛雅昌指数华南站English

播放次数8546 雅昌公开课 >《对话·吕佩尔茨》>[第1集]马库斯·吕佩尔茨:简述“重识吕佩尔茨”展览

视频信息

名称:《对话·吕佩尔茨》马库斯·吕佩尔茨:简述“重识吕佩尔茨”展览
 

  主讲人介绍:

  马库斯·吕佩尔茨:生于1941年从上世纪60年代开始从事艺术创作,并一直保持着旺盛的创作力,被誉为德国国宝级艺术家。

 

马库斯·吕佩尔茨

  导语: 马库斯 吕佩尔茨是德国新表现主义的代表人物之一。在20世纪七、八十年代,他与巴塞利兹、伊门多夫、彭克、基弗等人共同催生的“新表现主义”,产生了世界性的影响。“德国新表现主义”在艺术史上具有重要的意义,它标志着二战后世界艺术中心被美国主导多年后,再次回归欧洲,并引发了一场关于“绘画复兴”的持久争论。“德国新表现主义”在上世纪80年代末90年代初被介绍到中国,对本土不少艺术家也产生了不可小觑的影响。

  主题:《对话·吕佩尔茨》

  第一部分:简述“重识吕佩尔茨”展览

  同事们、同仁们、先生们、女士们,如果隔了一段时间,甚至是很长的时间,再次重新来看自己画过的画,来真正的感知,它还是有一些难度的。如果你没有机会一直去看它,或者是在一个博物馆里,或者是某一种场所,它能够持续的得以呈现的话,似乎会和它有一种疏离的感觉。不仅仅是画本身,而且也包括呈现这些作品的空间。所以有的时候对于一个艺术家,对于一个作者本人来说,好像也是一件很紧张的、激动人心的事情,就是看到自己的画,而且它以什么样的方式,布置在什么样的空间当中。

《阿卡迪亚》,120x220,综合材料,2011

  当然我们也知道建筑师,他在建构一个空间的时候,有的时候是很反艺术的,或者是和艺术有某种张力敌意的。因为它可能要呈现建筑作为空间的意图,要更强烈,他可能会更排斥要呈现这个艺术本身的,那样的一个另外的意图。所以这也给策展人提供了一种挑战,因为在空间和艺术之间,要有某种妥协。我们能够找到这么好的,这么漂亮的一个美术馆。而且我们有这么出色的策展人雅克布先生,应该说是这两方面的契合,使得我们能够有很好的一个展览。

  还请允许我稍微谈一下绘画本身。当然我除了绘画为什么还要做雕塑。因为我们知道这个绘画应该说图片或摄影,把绘画越来越要排挤到墙上架上绘画当中去。因为我们知道摄影本身,它也是作为一个非常了不起的发明,它的出现也是以一种艺术的姿态出现的。但是较比绘画和艺术的这种关联,应该说摄影处于这种小儿科的阶段。因为绘画在这种可掌握,以及在视觉的这种成熟方面,应该说还是远远要超越了摄影本身。因为较比摄影说好像更多的是一种感知,是一种知觉,然而绘画则有一种赋予精神性的东西在。此外绘画它是一种学科,一门老旧的一个手艺。

《奥菲鲁斯》,260x285,布面油画,2004

  再有绘画尤其是油画,它有非常古老的传承,而且在世界各地都有它不同的形式、呈现方式。这一点是我作为画家,一定要彰显和强调的,要呈现的。有一点要强调的就是,绘画中没有什么新鲜事情,绘画就是一样的。因为他用的材料是同样的东西,他用的画布、他用的颜料、他用的笔,但是在这些古旧的东西当中,我们不断有新的画家出现,也就是说他要不断以新的方式来在,这个古老的行当当中展现出新的东西来。当然我们诉诸于这些机械时代的这些用品用具的话,似乎能够更轻便一点,然而它却和我们使用传统的画笔和油彩,完全不一样,意义不一样。

  我们知道绘画是一个脏活,你的手总是脏兮兮的,而且你所有的这些画布,你的这些用具也可能比较蹩脚,或者是碍手碍脚的。有的时候油彩又不会恰当的干起来,会湿乎乎的或者是不小心弄污了,可能由于缺少耐心,你总是一次次地把自己的画给弄遭了。而且绘画总是与一种,永远的不满足感联系在一起的,你做得越多,就越多的不满足感。之所以有一种不满足感,是因为你要不断地在绘画当中,去面对那些传统当中,已经有过的伟大。如果要是这个意义上说,大家要是没有这个耐心,我建议大家还是去拍照片吧。因为作为画家来说,常常是有一种不幸的感觉,不愉快的感觉。

《白天》,130x162,布面油画,1993

  我很难想象有一个快乐的、乐天的画家存在着。当然尽管这种不安或不快,是忧郁的状态是始终存在的,但是还是有那些闪亮的愉快的瞬间,幸福的瞬间。比如说像展览展出你的绘画本身,就是令人愉快的瞬间。那么多人奔波了数千里,就是为了来感受这昙花一现的快乐。然而一旦飞回原处,又开始了那种让人头疼的不满足感。可以说很快乐很兴奋,在中国感到了快乐,但这也是短暂的。可以说我今天,起码当下是快乐的。

  雕塑其实和绘画有某种共性,当然可能从另外一种方式来说,你可以从多角度,对于一个立体的东西进行摄像摄影,或者是现在也有这种扫描,甚至是这种多维的这种打印,很快一个雕塑就出来了,通过三维打印的话。雕塑本身最核心的在于,能够创作的东西,无中生有的东西,当你在做雕塑的时候,你甚至是有这种要僭越,成为神那样的企图。你自己造人,你自己去造一棵树,一位女性、一只鸟,甚至是说你可以去造整个,一类一个物种,但是尽管它的呈现是具象的,然而你设想它的时候,可以是完全抽象的概念。

《穿西装的男人二》,250x187,布面油画,1976

  我就是通过这样的一种面对现象的方式,来造自己的人,来造自己所理解的那样的雕塑。所以我觉得在雕塑当中,还有一种断片残篇的未完成的,那样一个状态。这也是和古希腊古典文化,能够接轨的地方,契合的地方。因为我们所获得的,永远是一些残肢断片、残垣。因为在19世纪,或者说20世纪初19世纪末的时候,那么断片或者是残篇,它本身作为一种独立的艺术形式,得以被彰显出来,它虽然作为自身来说是并没有完成,是一个非完成品,但是它却能够传达或引诱,诱惑出一种无限的自由。有的时候你甚至可以把自己的雕塑品,直接扔到空中,希望它能够在空中当中找到一个,合适的位置,然后得以悬隔。

  在这个造型艺术当中,确实存在着一个深刻的问题。因为人一次次地变得盲目起来,看不见了。因为在这种盲目当中,我们无法再得见绘画或者是雕塑。因为所有的这些便捷的东西,手机、Ipad、电脑等等。它一方面让我们的视线盲掉了,再有一个它使我们的想象力完全退化了,而且这使得我们停滞了,我们的精神丧失了活性和弹性。你去观看、凝视一幅绘画作品的话,你还要动脑袋,只有这样,只有动脑袋你才可能知道这个艺术家,你才能了解艺术家。然而像另外一些可复制的这种艺术品,比如说像摄影或者是摄像,或者是电影等等,它自身动态太多,遏制了某种你自身想象力。

《空间幽灵:无神论者》,200x162,布面油画,1987

  绘画作为一个久远的手艺活,一切神性的东西都是不会消逝,或者是灭亡的。然而所有这种造作的东西,确是可以让我们抛之脑后的。所以这就是为什么尼采用了一个,偶像的黄昏,这样一个名字,来形容这种神性消逝的、消亡的时代。有的时候我有这样的一种感受。就是这种偶像的黄昏,或者是神性已经消失的时代似乎已经来临了。正是出于这个想法,我才继续绘画,要继续来展览。而且我要变得越来越聒噪,越来越吵闹。所以我希望大家能够在绘画的展览当中,或者是尤其是在我的这个作品的展览当中,能够再次体验到什么,能够唤起您对绘画的某种意识,让你们对绘画有所感知。

  总之你要是想非常轻省的一下子,能够做出什么作品的话,我完全可以说您去拍照片吧,特别快,当然这可能是一个所谓的,这种积极意义上的,或者是实证意义上的一个建议。而且这个也不太坏,因为其实可以竞争的东西,也并不多了,已经真正能够竞争的也正在慢慢消亡,能够和他匹敌的也正在慢慢消亡,当然我不想再继续来散布我的悲观主义了,当然还活着,现在还有很多了不起的画家。而且我差不多还能画20年吧,感谢大家的耐心和关注。

上传日期:2018年02月12日

推荐视频